Top 20 Songs mit starken Intros

Das Intro eines Songs gibt oft den Ton vor und fesselt die Hörer in den ersten Sekunden. Großartige Intros packen nicht nur die Aufmerksamkeit, sie erzeugen auch Vorfreude auf den Rest des Tracks und beeinflussen den Erfolg eines Songs erheblich. In einer Streaming-Welt kann ein einprägsamer Auftakt über die Wirkung eines Songs entscheiden. Allein auf Spotify entscheiden Hörer innerhalb der ersten Sekunden, ob sie einen Track skippen, was ein packendes Intro zu einem der wichtigsten Faktoren dafür macht, ob dein Song durchgehört oder übersprungen wird. Hier schauen wir uns 20 der besten Song-Intros aller Zeiten an, quer durch Genres und Jahrzehnte.

Die 20 größten Song-Intros aller Zeiten im Ranking

"Smells Like Teen Spirit" - Nirvana

Eine Grunge-Hymne mit einem der wiedererkennbarsten Intros des Rock, das Powerchords mit wütenden Riffs verbindet. Kurt Cobains Auftakt aus vier Akkorden, erst clean gespielt, dann in Verzerrung explodierend, wurde zur Blaupause für die Leise-laut-Dynamik, die den Alternative Rock der 1990er definierte. Produzent Butch Vig fing die rohe Energie einer Band ein, die klang, als würde sie sich gerade so zusammenhalten, und genau das war der Punkt.

Was dieses Intro so wirksam macht, ist seine Zurückhaltung. Es vergehen über 25 Sekunden instrumentaler Aufbau, bevor Cobain ein einziges Wort singt, ein Luxus, den sich Songs der Streaming-Ära selten leisten. Das gedämpfte Gitarrenspiel am Anfang des Tracks erzeugt Spannung und Erwartung und lässt die verzerrte Explosion danach wie eine Erlösung wirken. Eine Meisterklasse in Dynamik.

"Billie Jean" - Michael Jackson

Das Intro, das es fast nie gegeben hätte. Produzent Quincy Jones wollte den 29-sekündigen Auftakt streichen, damals das längste Intro auf einer Pop-Single, weil es ihm fürs Radio zu lang war. Michael Jackson weigerte sich und sagte Jones, genau dieser Teil bringe ihn zum Tanzen. Der Kompromiss? Nichts wurde gestrichen, und diese 29 Sekunden wurden zum wohl bekanntesten Drum-Pattern der Popgeschichte. Aufgenommen mit einer Linn LM-1 Drum Machine, einer der ersten, die echte Samples nutzen konnte, wurde das knackige Kick-und-Snare-Pattern des Intros zu einem der meistimitierten Grooves der Popmusik.

Toningenieur Bruce Swedien baute eine eigene Schlagzeugplattform und legte ein flaches Stück Holz zwischen Snare und Hi-Hat, um das zu erreichen, was Jones "sonic personality" nannte: einen Sound, den noch niemand gehört hatte. Schlagzeuger Leon "Ndugu" Chancler spielte live neben einer Linn LM-1 Drum Machine und synchronisierte seine Performance so präzise mit dem Pattern der Maschine, dass kaum zu erkennen ist, wo das eine endet und das andere beginnt. Den Bass spielte Louis Johnson von den Brothers Johnson auf einem Yamaha-Bass, während ein Yamaha CS-80 Synthesizer diese unheimlichen, atmosphärischen Akkorde beisteuerte, die über dem Groove schweben. Swedien mischte den Song 91 Mal, bevor er sich für den zweiten Mix entschied. Das Ergebnis ist ein Intro, das du allein an den ersten drei Schlägen erkennst.

"Sweet Child O' Mine" - Guns N' Roses

1986 saß Slash auf dem Boden des gemeinsamen Hauses der Band in Hollywood, einem Ort so kahl, dass es nicht einmal Möbel gab, als er anfing, ein kreisendes, arpeggiertes Gitarrenpattern zu spielen. Später tat er es als bloßes "Herumspielen und Noten aneinanderreihen" ab, auch wenn die Legende lange besagte, es sei eine Aufwärmübung gewesen. Rhythmusgitarrist Izzy Stradlin hörte es vom anderen Ende des Raums, legte Akkorde darunter, und Duff McKagan rastete mit einer kaskadierenden Basslinie ein. Oben hörte Axl Rose zu. Ein paar Tage später bei der Probe bat er die Band, das Riff noch einmal zu spielen, und offenbarte, dass er bereits einen kompletten Text dazu geschrieben hatte.

Das Riff selbst baut auf einem arpeggierten Pattern in D-Dur auf, gespielt auf einer Gibson Les Paul, die einen Halbton tiefer auf E♭ gestimmt war. Aufgenommen wurde es in den Rumbo Recorders in Los Angeles mit Produzent Mike Clink, und Slash hat gesagt, das Intro sei der schwerste Teil im Studio gewesen: Er brauchte einen ganzen Nachmittag, um es perfekt gegen die Drums zu timen. 2004 von den Lesern des Total Guitar Magazins zum größten Gitarrenriff aller Zeiten gewählt, ist es das seltene Intro, das selbst Menschen, die nie eine Gitarre in der Hand hatten, Note für Note summen können.

"Under Pressure" - Queen & David Bowie

Diese Kollaboration entstand komplett aus Zufall. Im Juli 1981 nahmen Queen in ihren eigenen Mountain Studios in Montreux in der Schweiz auf, als David Bowie, der in der Nähe wohnte, für einen eigentlich kurzen Besuch vorbeischaute. Was als lockere Jamsession begann, wurde zu einem nächtelangen Schreibmarathon, den Produzent Dave Richards "complete madness in the studio" nannte.

Die ikonische Basslinie, nur sieben Noten, sechs davon identisch, stammte von Queen-Bassist John Deacon während der Session. Als die Band Essenspause machte, kam Deacon zurück und konnte sich nicht mehr erinnern, was er gespielt hatte. Je nach Version der Geschichte war es entweder Roger Taylor oder Bowie selbst, der sich an das Riff erinnerte, wobei Bowie Deacons ursprüngliches Pattern leicht in die Version veränderte, die wir heute kennen. Das Stylus Magazin kürte sie später zur größten Basslinie der Popmusikgeschichte. Die kreative Spannung zwischen Freddie Mercury und Bowie war intensiv, Brian May erinnerte sich, dass die beiden die ganze Session über "die Hörner kreuzten", aber genau diese Reibung gab dem Song seine rohe, fast explosive Energie. Die Vocals wurden blind aufgenommen: Mercury und Bowie gingen jeweils in die Kabine, ohne zu wissen, was der andere gesungen hatte, und tauschten Verse in reiner Improvisation.

"Take On Me" - a-ha

Das Synth-Riff, das diesen Song definiert, hätte den Aufnahmeprozess fast nicht überlebt. Keyboarder Magne Furuholmen und Gitarrist Pål Waaktaar schrieben die zentrale Melodie als Teenager in ihrer Band The Bridges, wobei Waaktaar sie anfangs als "zu käsig und poppig" abtat. Jahre später durchlief das Riff drei völlig unterschiedliche Aufnahmen, bevor es ein Hit wurde.

Der erste Produzent, Tony Mansfield, ersetzte den ursprünglichen Roland Juno-60 Sound von a-ha durch ein Fairlight CMI, einen der teuersten Digital-Synthesizer der Ära, und strich das spannungsaufbauende Intro komplett aus dem Arrangement. Die Band hasste das Ergebnis. Als Alan Tarney 1985 die Produktion übernahm, tat er das Gegenteil: Er ging zurück zum ursprünglichen Demo und baute den Track um die Wärme der analogen Synths der Band herum wieder auf, mit dem Juno-60, einem PPG Wave und einem Yamaha DX7 Bass-Patch in Schichten darunter. Eine LinnDrum lieferte den druckvollen, programmierten Beat. Das fertige Intro baut fast 20 Sekunden lang Spannung mit einem pulsierenden Four-on-the-Floor-Beat auf, bevor das Riff ausbricht, eine Struktur, die die Geduld des Hörers belohnt. Zusammen mit Morten Harkets atemberaubendem Stimmumfang von über zweieinhalb Oktaven (inklusive eines schwebenden Falsett-E5) liefert das Intro einen Rausch purer Synth-Pop-Euphorie, der keinen Tag gealtert ist.

"Back in Black" - AC/DC

Die ersten Sekunden dieses Tracks tragen ein Gewicht, das weit über die Musik hinausgeht. Back in Black, veröffentlicht 1980, war AC/DCs erstes Album nach dem Tod des ursprünglichen Sängers Bon Scott, und der eröffnende Hi-Hat-Count, gefolgt von Angus Youngs mahlendem Gitarrenriff, war Überlebensbotschaft und trotzige Rückkehr zugleich. Der Song war als Tribut an Scott gedacht, und die glockengleiche Qualität des Riffs spiegelt das tiefschwarze Cover des Albums, eine Trauerbinde als Zeichen des Respekts.

Produzent Robert John "Mutt" Lange formte den Gitarrensound, indem er die Brüder Angus und Malcolm Young ihre Parts durch eine Wand aus Marshall-Verstärkern in den Compass Point Studios auf den Bahamas spielen ließ. Malcolms Rhythmusgitarre, oft der unbesungene Motor des AC/DC-Sounds, rastet in einen engen Groove ein, der dem Riff seine Lokomotivkraft gibt. Keine Keyboards, keine Studiotricks: nur zwei Gitarren, Bass, Drums und die rohe Lässigkeit des neuen Sängers Brian Johnson. Das Intro dauert kaum zehn Sekunden, bevor Johnsons raues Heulen übernimmt, aber diese zehn Sekunden haben unzählige Stadionkonzerte, Sportevents und Filmszenen eröffnet. Es ist der Sound des Hard Rock in seiner reduziertesten, kraftvollsten Form.

"Seven Nation Army" - The White Stripes

Eines der universell bekanntesten Riffs des 21. Jahrhunderts kam überhaupt nicht von einem Bass. Jack White spielte das Hauptriff auf einer halbakustischen Kay-Hollowbody-Gitarre durch ein DigiTech-Whammy-Pedal, das die Tonhöhe eine Oktave nach unten verschob und ihm diese tiefe, knurrende Qualität gab, die Hörer oft für einen Bass halten. The White Stripes hatten bekanntlich keinen Bassisten: nur White an der Gitarre und Meg White an den Drums.

Aufgenommen 2003 in den Toe Rag Studios in London auf Vintage-Achtspur-Equipment, verzichtete die Produktion bewusst auf moderne Aufnahmetechniken. Das Riff selbst besteht aus nur sieben Noten, die in einem hypnotischen, marschartigen Pattern in der Tonart E absteigen. Was es als Intro so wirksam macht, ist seine Einfachheit: eine einzelne melodische Linie ohne Akkorde, ohne Harmonien und für die ersten Sekunden ohne Drums. Es ist so singbar, dass es von Fußballfans in ganz Europa als Stadiongesang übernommen wurde, oft gesungen von Zehntausenden, die die Originalaufnahme womöglich nie gehört haben. Für unabhängige Artists ist es eine kraftvolle Erinnerung daran, dass ein einprägsamer Hook keine Komplexität braucht: nur die richtige Melodie im richtigen Moment.

"Let’s Go Crazy" - Prince

Prince eröffnet diesen Track nicht mit Musik, sondern mit einer Spoken-Word-Predigt über einer wirbelnden Orgel, eine bewusste, theatralische Entscheidung, die das Thema des Songs aufbaut: das Leben in vollen Zügen zu leben, bevor "der Fahrstuhl" dich nach unten bringt. Die Ansprache dauert fast 30 Sekunden, bevor ein explosiver Umschwung in einen der energiegeladensten gitarrengetriebenen Grooves der 1980er folgt.

Der Übergang vom Prediger zum Performer ist es, was dieses Intro unvergesslich macht. Aufgenommen in Princes eigenem Studio in Chanhassen, Minnesota, für den Purple Rain Soundtrack 1984, wurde das Orgel-Intro auf einem Yamaha CP-70 E-Flügel gespielt, und die anschließende gitarrenlastige Explosion zeigt Prince an einer speziell angefertigten Cloud-Gitarre. Der Kontrast ist der ganze Punkt: Zurückhaltung, die in Hingabe umschlägt, Kontemplation, die in Feier ausbricht. Es ist eine Technik, die die Leise-laut-Dynamik des Rock spiegelt, aber gefiltert durch Princes genresprengendes Gespür: zu gleichen Teilen Funk, Rock, New Wave und Gospel. Das Format von Predigt zu Explosion machte den Song auch zu einem der elektrisierendsten Konzertauftakte der Purple Rain Tour, wo er als Eröffnungsnummer der Show diente.

"Jump" - Van Halen

Als Eddie Van Halen seinen Bandkollegen zum ersten Mal das Synth-Riff vorspielte, das "Jump" werden sollte, hasste Sänger David Lee Roth es. Roth wollte, dass Van Halen eine Gitarrenband bleibt, und wehrte sich gegen die Idee, einen Song um ein Keyboard herum zu bauen. Eddie hatte jahrelang am Oberheim OB-Xa Synthesizer getüftelt, und der helle, bläserartige Patch, den er für "Jump" programmiert hatte, lag in der Schublade, bis Produzent Ted Templeman die Band überzeugte, ihn für ihr Album 1984 von 1984 aufzunehmen.

Das Ergebnis veränderte das Rockradio über Nacht. Dieser eröffnende Synth-Stab, kühn, in Dur und unglaublich gut gelaunt, verkündete, dass Hard Rock Synthesizer umarmen konnte, ohne seine Kante zu verlieren. Eddie schichtete den OB-Xa mit einem Minimoog für den Basston, aber es ist der druckvolle Patch des OB-Xa mit den gestapelten Stimmen, der das Intro dominiert. Der Song wurde in Eddies persönlichen 5150 Studios aufgenommen, einem der ersten wirklich professionellen Homestudios des Rock. Das Intro läuft nur acht Takte, bevor Alex Van Halens Drums hereinbrechen und Roths überschwänglicher Gesang übernimmt, aber diese acht Takte haben im Alleingang erweitert, was ein Van-Halen-Song sein konnte, und wie Arena-Rock klingen konnte.

"Money for Nothing" - Dire Straits

Mark Knopflers eröffnendes Gitarrenriff auf diesem Track ist eines der klanglich markantesten der Rockgeschichte, und es kam nicht von seiner üblichen Fender Stratocaster. Für die Aufnahme in den AIR Studios auf Montserrat 1984 nutzte Knopfler eine Gibson Les Paul durch einen Laney-Verstärker, um den schweren, übersteuerten Crunch zu bekommen, der sich bewusst von seinem typischen cleanen Fingerpicking-Stil abhob.

Aber das Intro beginnt nicht mit der Gitarre. Es startet mit einem Synthesizer-Drone und Stings Falsett-Hook: Sting nahm zufällig zur selben Zeit mit The Police im selben Studio auf, steuerte die Melodie bei und bekam dafür einen Co-Writing-Credit. Das Gitarrenriff kommt erst nach fast einer Minute vollständig an und baut sich durch Schichten auf, die Produzent Neil Dorfsman mit ungewöhnlicher Geduld formte. Mit über zwei Minuten ist die komplette instrumentale Einleitung eine der längsten aller Nummer-eins-Singles der 1980er. Der ausgedehnte Aufbau war ein Wagnis fürs kommerzielle Radio, aber es zahlte sich aus: Die schrittweise Schichtung von Synth, Stimme und Gitarre erzeugt eine fast filmische Erwartung, die die Geduld des Hörers belohnt. Eine Erinnerung daran, dass die besten Intros manchmal nicht zum Punkt eilen: Sie lassen dich darauf warten.

"Lose Yourself" - Eminem

Das Intro von "Lose Yourself" baut auf einem Gitarrenriff auf, das Eminem selbst 2002 in einer Drehpause von 8 Mile spielte. Das Riff wurde am Set in einem Trailer mit einem mobilen Setup aufgenommen und fängt die rohe, fast nervöse Energie ein, die das Thema des Songs spiegelt: eine einmalige Chance zu ergreifen.

Was diesen Auftakt so wirksam macht, ist seine Zurückhaltung. Die akustische Gitarre zupft ein einfaches Moll-Pattern, das eher nervöse Anspannung als Aggression vermittelt, ungewöhnlich für einen Hip-Hop-Track jener Zeit. Produzent Jeff Bass legte ein subtiles Klavier darunter, das die meisten Hörer nicht bewusst wahrnehmen, das aber die emotionale Fallhöhe vertieft. Fast 15 Sekunden lang gibt es keinen Beat, keine Vocals: nur diese einsame Gitarre, die eine Stimmung aus Erwartung und Unbehagen erzeugt. Als der Beat schließlich zusammen mit Eminems ersten Bars einsetzt, ist der Kontrast elektrisierend. Das Intro spiegelt den Text perfekt: Du kannst die schwitzigen Handflächen und das rasende Herz von jemandem fast spüren, der gleich auf die Bühne tritt. Es wurde der erste Hip-Hop-Song, der den Academy Award für den besten Original-Song gewann, und dieses Gitarren-Intro, so anders als alles andere im Rap-Radio von 2002, ist ein Hauptgrund, warum es Publikum weit über die typische Hip-Hop-Fanbasis hinaus erreichte.

"Rolling in the Deep" - Adele

Die ersten Sekunden dieses Tracks bringen ein bewusst lo-fi gehaltenes Kick-Drum-Pattern, ein flaches, fast tribal wirkendes Pochen, aufgenommen ohne Hall oder Produktionspolitur, gepaart mit einem gedämpften akustischen Gitarrenschlag. Es ist dunkel, karg und nichts wie die polierten Popballaden, für die Adele nach 19 bekannt war. Dieser tonale Wandel war Absicht: Produzent Paul Epworth wollte, dass sich das Intro roh und konfrontativ anfühlt, passend zur Wut eines Trennungssongs.

Aufgenommen 2010 in den Eastcote Studios in London, baute Epworth das Arrangement von den Drums nach außen auf und behandelte den Beat als emotionalen Anker statt Adeles Stimme. Die akustische Gitarre nutzt eine gedämpfte Fingerpicking-Technik, die ihr eine perkussive, fast erstickte Qualität gibt, als würde der Song etwas zurückhalten. Wenn Adeles Stimme nach nur wenigen Sekunden einsetzt, kommt sie über diesem kargen, bedrohlichen Groove an wie eine Warnung. Die Produktionsentscheidung gegen einen üppigen, orchestralen Auftakt ließ "Rolling in the Deep" im Radio sofort herausstechen: Es klang wie nichts anderes im Jahr 2011. Der Song erreichte in elf Ländern die Nummer eins und bewies, dass ein reduziertes, spannungsgeladenes Intro kommerziell genauso stark sein kann wie ein Hook-first-Ansatz.

"Dreams" - Fleetwood Mac

Das Drum-Pattern, das "Dreams" eröffnet, ist trügerisch einfach: ein entspannter, swingender Groove, den Mick Fleetwood mit Besen statt Sticks spielte, was ihm eine weiche, fast hypnotische Qualität gibt. Aufgenommen wurde es 1976 im Record Plant in Sausalito, Kalifornien, während der berüchtigt turbulenten Rumours Sessions, in denen die Beziehungen aller Bandmitglieder gleichzeitig zerbrachen.

Stevie Nicks schrieb den Song in etwa zehn Minuten, während sie allein an einem Fender Rhodes Piano in Sly Stones Studio saß, das mit dem Record Plant verbunden war. Der Intro-Groove, den sie im Kopf hörte, war einer der Zurückhaltung und des Understatements: kein großes Eröffnungsstatement, kein aufmerksamkeitsheischender Hook, nur ein sanfter Puls, der den Hörer nach innen zieht. Lindsey Buckinghams geschichtete Gitarrenarpeggien setzen subtil ein und weben sich um Christine McVies Keyboardpart im Bassregister, ohne je zu dominieren. Das Geniale an diesem Intro ist, dass es Intimität schafft, in einer Zeit, in der Rock lauter und bombastischer wurde. Es verlangt deine Aufmerksamkeit nicht, es lädt sie ein. Der Song erlebte 2020 ein massives virales Comeback, als ein TikTok-Video ihn mit einem Longboarder verband, der Cranberrysaft trinkt, was den Track einer völlig neuen Generation vorstellte und ihn 43 Jahre nach seiner Veröffentlichung zurück in die Charts schob.

"Another One Bites the Dust" - Queen

John Deacon, der stille, unscheinbare Bassist, der auch das "Under Pressure" Riff schuf, schrieb die ikonische eröffnende Basslinie dieses Tracks, inspiriert von Chics "Good Times". Der Single-Note-Funkgroove, gespielt auf einem Music Man StingRay Bass, wiederholt ein treibendes E mit präziser rhythmischer Synkopierung, die eher aus Disco und Funk schöpft als aus dem Hard Rock, für den Queen bekannt waren. Als Deacon sie der Band 1980 in den Musicland Studios in München zum ersten Mal vorspielte, war sie so anders als ihr übliches Material, dass einige Mitglieder skeptisch waren.

Es war Michael Jackson, der Queen überzeugte, den Track als Single zu veröffentlichen. Jackson besuchte mehrere Queen-Konzerte während ihrer The Game Tour und sagte der Band backstage, der Track sei ein garantierter Hit. Er hatte recht: "Another One Bites the Dust" wurde Queens meistverkaufte Single in den USA, erreichte die Nummer eins der Billboard Hot 100 und schaffte den Sprung ins R&B-Radio, wie es kein Queen-Song zuvor getan hatte. Die Kraft des Intros liegt in seiner Isolation: In den ersten Takten ist Deacons Bass praktisch allein, nur ein gedämpftes Gitarrenkratzen und ein trockener, enger Drum-Schlag setzen Akzente im Groove. Eine Meisterklasse darin, wie ein einzelnes Instrument und ein eingerasteter Rhythmus die Aufmerksamkeit des Hörers befehlen können, ganz ohne melodisches Feuerwerk.

"Hotel California" - Eagles

Das Intro von "Hotel California" ist im Grunde eine eigene Miniatur-Gitarrenkomposition: eine 12-saitige akustische Gitarrenfigur, die eine geisterhafte Moll-Atmosphäre etabliert, bevor die ganze Band einsetzt. Don Felder schrieb den ursprünglichen Gitarrenpart zu Hause in Malibu und schichtete eine Fender Telecaster durch ein rotierendes Leslie-Lautsprecherkabinett, um den schimmernden, leicht unheimlichen Ton zu erzeugen, der den Auftakt definiert.

Aufgenommen in den Criteria Studios in Miami und später im Record Plant in Los Angeles während der Hotel California Sessions (1976-1977), ermutigte Produzent Bill Szymczyk Felder und Joe Walsh, Gitarrenparts zu tauschen und ihre Performances zu schichten, bis das Intro seinen typischen Reichtum erreichte. Die Zwillingsgitarren-Harmonien im ausgedehnten Outro wurden zu einem der prägenden Momente des Classic Rock, aber es ist die eröffnende akustische Figur, die den Ton setzt: eine dunkle, spanisch beeinflusste Melodie in h-Moll, die den Hörer sofort auf diesen mythischen Wüstenhighway versetzt. Glenn Freys kaum geflüsterter Gesang setzt erst nach fast einer vollen Minute ein, eine Ewigkeit nach Radiomaßstäben. Die Band vertraute der Sogwirkung des Intros genug, um es atmen zu lassen, im Glauben, dass die Atmosphäre allein die Hörer halten würde. Fast 50 Jahre später zeigt sich: Dieses Vertrauen war berechtigt.

"Stairway to Heaven" - Led Zeppelin

Das berühmteste Intro der Rockgeschichte beginnt nicht mit E-Gitarren oder donnernden Drums, sondern mit einer sanften akustischen Gitarre und Blockflöten, Instrumenten aus der Renaissance, die Jimmy Page bewusst wählte, um ein Gefühl von Zeitlosigkeit zu schaffen. Das eröffnende Arpeggio, gespielt auf einer Harmony Sovereign H1260 Akustikgitarre in den Headley Grange Studios in Hampshire, England, läuft über zwei Minuten, bevor die erste Andeutung elektrischer Instrumentierung erscheint.

Page konzipierte den Song als Weg, der leise beginnt und sich zu einem Höhepunkt aufbaut, mehr der Struktur einer klassischen Sinfonie folgend als einem Rocktrack. Das gezupfte Pattern des Intros in a-Moll steigt chromatisch ab, jeder Akkord einen halben Ton tiefer, und erzeugt ein Gefühl sanfter, unausweichlicher Vorwärtsbewegung. John Paul Jones' Blockflötenparts fügen eine fast mittelalterliche Qualität hinzu, die 1971 wie nichts anderes im Rockradio klang. Der bewusst langsame Aufbau war beispiellos für eine Hard-Rock-Band auf dem Höhepunkt ihrer Popularität, und er zahlte sich aus: Obwohl nie als Single veröffentlicht, wurde "Stairway to Heaven" der meistgewünschte Song im FM-Radio der gesamten 1970er. Für angehende Musiker bleibt das akustische Intro eines der ersten Fingerpicking-Patterns, das viele Gitarristen lernen, so sehr, dass Gitarrenläden es ihren Kunden berühmt-berüchtigt (und wohl apokryph) verboten haben sollen.

"Purple Haze" - Jimi Hendrix

Das eröffnende Intervall von "Purple Haze", ein Tritonus, historisch als "Teufelsintervall" bekannt für seine dissonante, verstörende Qualität, verkündete, dass Jimi Hendrix nach niemandes Regeln spielte. Aufgenommen im Januar 1967 in den De Lane Lea Studios in London, beginnt der Track damit, dass Hendrix seine Fender Stratocaster durch ein Octavia-Fuzz-Pedal und einen Marshall-Verstärker in diesen schrillen Tritonus biegt (die Noten E und B♭) und einen Ton erzeugt, der für das Publikum von 1967 wie von einem anderen Stern klang.

Produzent Chas Chandler, der Hendrix kurz zuvor unter Vertrag genommen hatte, nachdem er ihn in einem New Yorker Club entdeckt hatte, baute das Arrangement um diesen Eröffnungsschock herum. Der fuzzgetränkte Gitarrenton kam von Roger Mayers speziell gebautem Octavia-Pedal, das das Signal eine Oktave nach oben verdoppelte und die außerweltliche, fast stimmhafte Qualität erzeugte, die den Hendrix-Sound definierte. Das Intro ist nur ein paar Sekunden lang, kaum eine Handvoll Noten, aber sein Einfluss auf die Rockgitarre war seismisch. Vor "Purple Haze" bedeutete E-Gitarrenton meist cleanen Fender-Twang oder leicht übersteuerten Blues. Danach wurden Verzerrung, Feedback und Effekte zu kreativen Werkzeugen statt Unfällen. Für unabhängige Musiker von heute ist es eine kraftvolle Lektion: Manchmal ist das Neueste, was du tun kannst, mit einem Sound zu eröffnen, den noch niemand gehört hat.

"Superstition" - Stevie Wonder

Dieses funkige eröffnende Riff wurde nicht auf einer Gitarre gespielt: Es ist ein Hohner D6 Clavinet durch einen Mu-Tron III Envelope-Filter, der ihm diese quietschige, wah-artige Qualität gibt, die es fast lebendig klingen lässt. Stevie Wonder nahm den Track 1972 in den Electric Lady Studios in New York auf und spielte praktisch jedes Instrument selbst, Clavinet, Drums, Bass und Vocals, in einem Schub kreativer Energie während der Sessions zu seinem Meilenstein-Album Talking Book.

Die Geschichte hinter dem Riff dreht sich um Jeff Beck. Wonder schrieb "Superstition" ursprünglich für Beck, nachdem die beiden an Becks Album Beck, Bogert & Appice zusammengearbeitet hatten, aber Motowns Berry Gordy bestand darauf, dass Wonder ihn selbst behält, als er das Hitpotenzial hörte. Beck war verständlicherweise wütend und veröffentlichte seine eigene Version, aber es war Wonders Originalaufnahme, angetrieben von diesem Clavinet-Intro, die zum Hit wurde. Die Brillanz des Riffs liegt in seiner rhythmischen Komplexität: Es klingt wie ein einfaches Funk-Pattern, aber die Synkopierung ist verschachtelt, mit Betonungen auf unerwarteten Off-Beats, die es fast unmöglich machen, still zu sitzen. Wonder war gerade 22 Jahre alt, als er ihn aufnahm. Das Clavinet-Intro ist seitdem eines der meistgesampelten und meistimitierten Riffs in Funk, Soul und Hip-Hop und bleibt der Goldstandard für keyboardgetriebene Funk-Grooves.

"London Calling" - The Clash

The Clash eröffnen ihr Magnum Opus mit einem Gitarrenpattern, das die Differenz zwischen Rock-'n'-Roll-Dringlichkeit und Reggae-Rhythmus teilt: Mick Jones' leicht geskankter Akkordschlag gepaart mit Paul Simonons treibender Bassfigur. Das Intro beginnt mit Feedback, einem Gitarrenknistern, und fällt dann in einen Groove, der es schafft, verzweifelt und trotzig zugleich zu klingen. Aufgenommen wurde es 1979 in den Wessex Sound Studios in London, produziert von Guy Stevens, dessen chaotischer Produktionsstil, er war dafür bekannt, Stühle durchs Studio zu werfen und Bier übers Mischpult zu gießen, perfekt zur Energie der Band passte.

Was dieses Intro auszeichnet, ist, wie viel Information es in seine ersten Sekunden packt. Bevor Joe Strummers Stimme mit einer der ikonischsten Eröffnungszeilen des Punk einsetzt, haben die Instrumente dir schon alles gesagt, was du wissen musst: Das hier ist dringend, das hier ist wichtig, und das hier wird sich nicht an die Regeln halten. Der Gitarrenton ist roh, aber nicht schlampig, und der Bass hat eine melodische Qualität, die Simonons Reggae-Einflüsse offenbart. Der Song schöpft gleichzeitig aus Punk, Reggae, Rockabilly und Ska, und das Intro dient als These für das gesamte Doppelalbum, das folgt: eine Erklärung, dass The Clash sich weigerten, sich von einem einzigen Genre begrenzen zu lassen. Für Artists, die ihre klangliche Identität vom ersten Moment an etablieren wollen, ist es eine Blaupause dafür, wie ein Intro genau signalisieren kann, wer du bist.

"Beat It" - Michael Jackson

Das E-Gitarrenriff, das "Beat It" eröffnet, wurde nicht von Eddie Van Halen gespielt: Der kam später, im Solo. Das Intro-Riff stammte von Gitarrist Steve Lukather von Toto, zusammen mit Session-Kollege Paul Jackson Jr. Der Track wurde von Quincy Jones für das Thriller Album 1982 produziert und war ein bewusster Versuch, einen Rocksong zu schaffen, der vom Popradio zu Rock- und MTV-Publikum hinüberreicht, das schwarze Artists bis dahin weitgehend ignoriert hatte.

Das Intro baut Spannung mit einem Synth-Drone und einem rhythmischen Puls auf, bevor Lukathers Gitarrenriff durchschneidet: kantig, aggressiv und völlig anders als alles andere auf Thriller. Jones holte Eddie Van Halen als Gefallen für das Solo dazu, Van Halen blieb für die Session unbezahlt und bekam Berichten zufolge nur ein paar Sixpacks Bier. Van Halen arrangierte während seiner Session einen Teil der Songstruktur um und setzte sein Solo in nur zwei Takes. Das gitarrenlastige Intro war ein kalkuliertes Risiko: Jackson wollte beweisen, dass er ein Rockpublikum befehligen konnte, nicht nur ein Poppublikum. Das Wagnis ging auf. "Beat It" erreichte die Nummer eins der Billboard Hot 100, und sein gitarrengetriebenes Intro half, Thriller zum meistverkauften Album aller Zeiten zu machen, indem es bewies, dass Genregrenzen zum Überschreiten da sind.

Ehrenvolle Erwähnungen

"Still D.R.E." - Dr. Dre ft. Snoop Dogg

Zwei sich wiederholende Klaviernoten waren alles, was Dr. Dre brauchte, um eines der ikonischsten Intros des Hip-Hop zu schaffen. Von Dre selbst produziert, etabliert die kalte, minimalistische Melodie von "Still D.R.E." sofort Autorität, bevor ein einziges Wort gesprochen wird. Das metallische Timbre gibt ihr eine fast futuristische Qualität, und die unerbittliche Wiederholung hat sie zu einem der wiedererkennbarsten Auftakte aller Genres gemacht. Über zwei Jahrzehnte später klingt es immer noch frisch, und es bleibt eines der meistgesuchten Klavier-Tutorials auf YouTube.

"Bohemian Rhapsody" - Queen

Von dem Moment an, in dem Freddie Mercurys unbegleitete Stimme "Is this the real life? Is this just fantasy?" singt, wissen die Hörer, dass sie auf einen Weg mitgenommen werden, den kein anderer Song geht. Das A-cappella-Intro baut Spannung und Staunen auf und bereitet die Bühne für eine der ambitioniertesten Kompositionen des Rock. Eine Meisterklasse darin, wie ein Intro die emotionale Spannweite eines ganzen Stücks vorwegnehmen kann.

"Crazy in Love" - Beyoncé ft. Jay-Z

Das schmetternde Bläser-Sample aus "Are You My Woman" von The Chi-Lites trifft in den ersten Sekunden von "Crazy in Love" wie ein Güterzug. Es ist eines der aggressivsten, aufmerksamkeitsforderndsten Intros der 2000er: eine kühne Erklärung, dass eine Ikone angekommen war. Der Bläserstoß ist so untrennbar mit Beyoncé verbunden, dass er im Grunde als ihre musikalische Signatur funktioniert.

"Father Stretch My Hands Pt. 1" - Kanye West

Das gospelsampelnde, pitch-verschobene Intro von "Father Stretch My Hands" wurde zu einem der viralsten Songauftakte der 2010er, befeuert durch seine Allgegenwart auf Vine und TikTok. Kid Cudis ätherisches Summen über Metro Boomins Produktion erzeugt einen transzendenten Auftakt, der in harten Trap umschlägt: ein perfektes Beispiel dafür, wie Kontrast ein modernes Intro antreibt.

"Blue Monday" - New Order

Das wohl ikonischste Kick-Drum-Pattern der elektronischen Musikgeschichte: Das vom Oberheim DMX angetriebene Intro von "Blue Monday" definierte die Schnittstelle von Post-Punk und Tanzmusik. Seine mechanische Präzision setzte die Vorlage für eine ganze Generation elektronischer Produzenten, und es bleibt die meistverkaufte 12-Inch-Single aller Zeiten.

Wie du ein starkes Song-Intro schreibst

Wenn diese 20 ikonischen Intros eines gemeinsam haben, dann dass sie den Hörer in den ersten Sekunden packen. Als unabhängiger Artist, der Musik auf Streaming-Plattformen veröffentlicht, ist dein Intro noch kritischer: Hörer auf Spotify entscheiden innerhalb der ersten 5-10 Sekunden, ob sie skippen.

Beginne mit deinem stärksten Hook

Viele der größten Intros, "Billie Jean", "Sweet Child O' Mine", "Seven Nation Army", führen mit dem wiedererkennbarsten melodischen Element des Songs. Überlege, mit einer reduzierten Version deiner Refrainmelodie oder deinem eingängigsten instrumentalen Riff zu eröffnen. Das gibt den Hörern etwas Einprägsames, bevor die Vocals überhaupt beginnen.

Halte es kurz in der Streaming-Ära

Classic-Rock-Intros konnten sich über 30-60 Sekunden strecken (wie "Stairway to Heaven" oder "Money for Nothing"), aber moderne Streaming-Daten legen nahe, Intros unter 10-15 Sekunden zu halten. Spotifys eigene Daten zeigen, dass Songs mit kürzeren Intros tendenziell niedrigere Skip-Raten haben. Wenn du ein längeres Intro willst, sorge dafür, dass jede Sekunde ihren Platz verdient.

Nutze Kontrast, um Erwartung zu erzeugen

Beachte, wie "Smells Like Teen Spirit" eine Leise-laut-Dynamik nutzt oder wie "Let's Go Crazy" mit einer Spoken-Word-Predigt eröffnet, bevor es in den Groove explodiert. Kontrast, ob in Lautstärke, Tempo, Instrumentierung oder Stimmung, erzeugt die Spannung, die Hörer wissen lassen will, was als Nächstes kommt.

Warum ein starkes Intro über deinen Song entscheiden kann

Jedes dieser Intros hat den Test der Zeit bestanden und beweist die Kraft eines großartigen Auftakts, zu fesseln und zu packen. Von Rockhymnen bis zu Pophits haben diese Songs die Bühne für unvergessliche musikalische Wege bereitet. Was sind deine liebsten Song-Intros?

Bereit, mit dem Vertrieb deiner Musik zu starten? Klicke hier.

Häufige Fragen zu Song-Intros

Warum sind Song-Intros wichtig?

Song-Intros setzen die Stimmung und fesseln die Aufmerksamkeit des Hörers innerhalb von Sekunden. Ein starkes Intro kann einen Song sofort wiedererkennbar und einprägsam machen.

Was macht ein Song-Intro ikonisch?

Ikonische Intros haben meist ein einzigartiges Riff, einen Beat oder eine Melodie, die Hörer sofort erkennen. Eingängigkeit, Originalität und emotionale Wirkung sind der Schlüssel.

Warum kommen so viele der Top-Intros aus Rock und Pop?

Rock und Pop legen starken Fokus auf Hooks und Melodien, was sie besonders geeignet für einprägsame Intros macht. Artists dieser Genres experimentieren oft mit Gitarrenriffs, Basslines und Synths, um eingängige Auftakte zu schaffen.

Welcher Artist taucht mehr als einmal auf dieser Liste auf?

Michael Jackson hat mehrere ikonische Intros, darunter "Billie Jean" und "Beat It", beide gefeiert für ihre starken Hooks und ihren zeitlosen Reiz.

Können Intros die Beliebtheit eines Songs auf Streaming-Plattformen beeinflussen?

Ja, denn Streaming-Publikum entscheidet schnell, ob es weiterhört. Ein wirkungsvolles Intro kann die Abspielzahlen und die Teilbarkeit eines Songs steigern.

‍