Sind analoge Synths wirklich besser als VSTs?
Die Antwort ist, wie so oft im Leben: ja und nein.
Sind analoge Synths wirklich besser als VSTs?
Viele behaupten, analoge Synths hätten eine unerreichte Wärme und Tiefe im Vergleich zu ihren digitalen Gegenstücken, aber die Lücke schließt sich schnell. Bevor wir in direkte Vergleiche einsteigen, machen wir erst einmal eine kleine Zeitreise.
Die Schlacht zwischen analogen und digitalen Synths begann kommerziell so richtig 1983, mit der Veröffentlichung des Yamaha DX7.
Yamaha DX7
Der DX7 führte eine völlig neue Klangpalette ein - die gläsernen, kühlen Töne der FM-Synthese, die eine ganze Ära der Popmusik der 1980er prägten und bis heute von Top-Artists genutzt werden (der Haupt-Keyboard-Sound in "Somebody Else" von The 1975 ist ein DX7).
Und an den neuen digitalen Synths gab es viel zu mögen. Sie waren im Allgemeinen zuverlässiger, leichter zu bedienen und irgendwann deutlich günstiger als ihre analogen Gegenstücke.
Mit der Einführung der Digital Audio Workstation, kurz DAW (Software wie Logic, Ableton und Pro Tools), kamen die VST-Synths (Virtual Studio Technology) - viele davon emulieren deutlich teurere Hardware.
Aber weil Musik und Kunst sich ständig selbst recyceln und remixen, war es unvermeidlich, dass die warmen, wabernden Klänge analoger Synths sich halten würden, und heute sind sie beliebter denn je - Synths erleben gerade weltweit eine Renaissance, mit Communitys, die in allen möglichen neonbeleuchteten Ecken des Internets entstehen.
Als jemand, der sein Leben lang Synths nutzt, sage ich gern: Wir sind raus aus dem digitalen Albtraum der frühen 2000er, und DAWs und VST-Synths werden richtig gut.
Aber wie gut? Solltest du die $3k für einen neuen analogen Polysynth hinblättern? Oder tut es auch ein VST für $200?
Analog vs. Digital
Die Antwort ist natürlich nicht eindeutig.
Schauen wir zuerst auf die Stärken von Analog.
Wenn du Synth-Purist oder -Enthusiast bist oder synth-basierte Musik machst, gibt es bei manchen analogen Synths einen unglaublichen Reichtum und eine Tiefe, die zum Zeitpunkt dieses Textes immer noch die Nase vorn haben (zumindest für meine Ohren).
Hör dir diesen von Blade Runner inspirierten Track an, der den unglaublichen Klang des Yamaha CS80 demonstriert, wenn du es selbst hören willst. Für mein Ohr kann kein VST damit konkurrieren (und ich habe einige CS80-VSTs ausprobiert). Aber der unglaubliche Klang hat seinen Preis - ein originaler, funktionstüchtiger CS80 kann für $100,000 oder mehr verkauft werden.
Der Yamaha CS-80
Es gibt natürlich weniger teure analoge Synths, und die klingen großartig. Melodic-House-Producer Tim Green hat mir mal erzählt, dass er den Unterschied definitiv hören kann - nicht dass das eine zwingend besser wäre als das andere, sie haben nur definitiv einen anderen Klang.
Ich selbst besitze einen Sequential Prophet 6, und für mein Ohr scheint er eine Tiefe zu haben, die ich aus einem VST nicht ganz herausbekomme. Er hat wundervolle Filter und macht große Freude beim Spielen. Aber glaube ich, dass ich ihn wirklich brauche, um gute Musik zu machen? Das ist noch eine offene Frage. Es hängt davon ab, was meine Ziele mit dem Synth selbst sind.
Aber wie sieht es mit VSTs aus?
Die VST-Welt
Wenn du keine Synth-Soundtracks auf Hollywood-Niveau produzierst und bereit bist, ins digitale Reich einzutauchen, gibt es einige richtig gute Optionen.
U-he Diva VST
U-hes Diva ist ein beliebtes VST zur Analog-Synth-Emulation, das mir in Produktions-Tutorials immer wieder begegnet, und das aus gutem Grund: Es klingt fantastisch. Und nicht nur für mein Ohr - Disclosure, 3LAU, Ben Bohmer, Monolink, Todd Terje, Odesza und Hans Zimmer haben es alle als Teil ihres Synth-Arsenals. Wenn du es selbst hören willst, gibt es hier einen direkten Vergleich zwischen Diva (€180) und einem Sequential OB-6 (€3000).
Und es gibt noch viele mehr da draußen, endlose Reviews, YouTube-Vergleiche und Demos zum Erkunden.
Worauf kommt es an?
Am Ende des Tages ist das die wichtigste Frage.
Bist du ein audiophiler Synth-Enthusiast, der den reichsten, hochauflösendsten Analog-Synth-Sound braucht, den man sich vorstellen kann? Wenn ja, dann ist die analoge Welt wahrscheinlich deine Welt.
Nicht emulierbare Filter, ein subtil tieferer Klang, das haptische Gefühl echter Tasten und Regler, an analogen Synths gibt es viel zu lieben.
Aber sie haben ihren Preis, und ob der es wert ist, ist eine andere Frage.
Machst du Lo-fi-Beats, bei denen der Fokus auf dem Vibe oder dem Vocal liegt? Oder Musik, in der die Synths zwischen all den anderen Instrumenten im Mix vergraben sind? In dem Fall tun es vielleicht schon ein paar gut gewählte VSTs.
Und die wichtigste Frage - weiß es das Publikum (oder ist es ihm egal?) ?
Ich muss mich immer wieder daran erinnern, dass Synths (zumindest für mich) ein Teil meines Werkzeugkastens sind, um Musik zu machen, und wie wir in Warum es in der Musikindustrie keine Regeln gibt besprochen haben - herauszuzoomen und das große Ganze zu betrachten kann bei Entscheidungen über Gear-Käufe wirklich helfen.
Die Frage, die ich mir stelle, ist also immer: "Ist dieses Gear nötig für meine Mission, die beste Musik zu machen, die ich kann?"
Baue die Mitglieder deines Artist-Teams für eine erfolgreiche Künstlerkarriere auf
Im Musikgeschäft ist es, genau wie beim Aufbau eines starken Artist-Teams, essenziell, persönliche Beziehungen zu pflegen und eine klare Vision für deine Musikkarriere zu haben. Ob du ein aufstrebender Artist oder ein brandneuer Artist bist, die Rollen essenzieller Teammitglieder wie Artist-Manager, Booking-Agent, Tourmanager und Social-Media-Manager zu verstehen kann einen erheblichen Unterschied machen, wenn du die Komplexität der Musikindustrie navigierst. Die Mitglieder deines Artist-Teams sorgfältig und überlegt auszuwählen stellt sicher, dass du die richtige Unterstützung hast, um deine Karriere voranzubringen.
Kern-Teammitglieder: Artist-Manager, Booking-Agent und Tourmanagement
So wie die Wahl des richtigen Synths eine Balance aus Qualität und Kosten verlangt, geht es beim Aufbau deines Artist-Teams darum, die richtigen Leute auszuwählen, die an deine Musik und deine Mission glauben. Unterhaltungsanwälte und Musikverlage sind weitere Teammitglieder mit kritischen Rollen beim Schutz deines geistigen Eigentums und der Verwaltung der Verlagsrechte. Das Tourmanagement ist ein essenzieller Teil der Koordination von Live-Konzerten und Auftrittschancen und sorgt dafür, dass alles reibungslos und effizient läuft.
Die Rolle von Labels und Label-Deals in der Karriere eines Indie-Artists
Labels, ob Major oder auf unabhängige Artists fokussiert, können entscheidende Unterstützung für Album-Release-Kampagnen, Marketing-Teams und den Vertrieb über Streaming-Dienste liefern. Label-Deals zu verstehen und wie sie deine Künstlerkarriere beeinflussen ist ein Schlüsselfaktor bei der Entscheidung über den besten Weg für deine Musik.
Wie Publizisten und Marketing-Teams Medienchancen und Airplay sichern
PR-Profis und Marketing-Teams helfen Artists zu Medienchancen, einschließlich Pressemitteilungen und Airplay bei verschiedenen Radiosendern. Sie spielen eine essenzielle Rolle beim Promoten neuer Musik und Song-Releases, beim Aufbau der visuellen Identität eines Artists und beim Ausbau seiner Präsenz in der Musikindustrie.
Arbeitsbeziehungen mit Unterhaltungsanwälten und Musikverlagen
Ein guter Anwalt ist unbezahlbar beim Verhandeln von Verträgen und dem Regeln geschäftlicher Angelegenheiten und stellt sicher, dass das Interesse des Artists immer an erster Stelle steht. Musikverlage verwalten die Verlagsrechte und helfen, zusätzliche Einnahmequellen zu sichern, was sie zu Kern-Teammitgliedern bei der geschäftlichen Seite der Musik macht.
Weitere Teammitglieder: Social-Media-Manager, Recording-Engineer und Monitor-Engineer
Viele Artists profitieren außerdem von weiteren Teammitgliedern wie Social-Media-Managern, die die Social-Media-Strategie entwickeln und Content posten, um Fans einzubinden, Recording-Engineers, die die technischen Aspekte der Aufnahmen betreuen, und Monitor-Engineers, die dafür sorgen, dass Live-Konzerte bestmöglich klingen.
Auftrittschancen navigieren und Verträge verhandeln
Booking-Agents und Manager arbeiten zusammen, um Auftrittschancen zu sichern, Verträge zu verhandeln und Ticketpreis-Vereinbarungen zu managen. Diese Zusammenarbeit ist für den Erfolg von Live-Konzerten und Tourdaten entscheidend, die für Musiker oft bedeutende Einnahmequellen sind.
Die Bedeutung von visueller Identität und Branding für Musiker
Eine starke visuelle Identität zu entwickeln ist ein Schlüsselfaktor, um sich mit Fans zu verbinden und eine einprägsame Marke aufzubauen. Die visuelle Identität stützt Album-Release-Kampagnen, Merchandise und die gesamte Marketingarbeit, die die Musikkarriere eines Artists begleitet.
Mit anderen Artists kollaborieren und dein eigenes Netzwerk aufbauen
Dein eigenes Netzwerk aufzubauen und persönliche Beziehungen zu anderen Artists, Veranstaltern und Branchenprofis zu pflegen kann Türen zu neuen Gelegenheiten und Kollaborationen öffnen und deine Reichweite und deinen Einfluss im Musikgeschäft steigern.
Geschäftliches managen: Die Rolle von Buchhaltern und guten Anwälten
Das ordentliche Management geschäftlicher Angelegenheiten, einschließlich Buchhaltung und Rechtsfragen, hilft Artists, finanziell gesund zu bleiben und ihr geistiges Eigentum zu schützen. Einen guten Anwalt und Buchhalter zu engagieren stellt sicher, dass Verträge solide sind und Royalties korrekt verfolgt und ausgezahlt werden.
Letztlich hängt der Erfolg im Musikgeschäft davon ab, starke Geschäftsbeziehungen zu pflegen und eine solide Social-Media-Strategie zu haben, um neue Fans zu erreichen und deine Aufnahmen und Live-Auftritte, einschließlich der Tourdaten, zu promoten.
*Unchained Music ist in keiner Weise mit den in diesem Beitrag erwähnten Marken oder Links verbunden.
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